Недавно одна из галерей США в городе Парк-Сити, штат Юта, организовала выставку-продажу картин художников советского периода. Популярность экспозиции превзошла все ожидания: публика рассматривала картины и искренне была очарована и тематикой, и колоритом, и мастерством решать сложные композиционные задачи. Среди зрителей было немало местных художников. Одна из них подошла ко мне и попросила в следующий раз, когда я поеду в Россию, привезти ей оттуда пару тюбиков с красной краской. На мой вопрос, зачем ей понадобилась именно красная краска, она ответила, что совершенно убеждена, что в России производят необыкновенную красную краску, которую она увидела на одной из картин русского художника (это было изображение рябины), и она хочет иметь непременно такую краску. Я оставляю этот забавный эпизод без профессионального искусствоведческого комментария, ибо меня более всего занимает вопрос: в чем же истинный секрет обаяния живописи русского реализма советского периода?
Стойкий интерес к русской реалистической школе обозначился в самом конце 80-х и начале 90-х годов. Этому способствовало открытие границ бывшего СССР. Первое эстетическое осмысление достоинств живописи принадлежит западноевропейским, японским и североамериканским искусствоведам и коллекционерам. И как результат – появление на всемирных выставках, аукционах и в частных галереях полотен Исаака Бродского, Виктора Цыплакова, Владимира Гаврилова, Аркадия Пластова, Владимира Стожарова, Татьяны Яблонской, Алексея Грицая, Василия Нечитайло, братьев Сергея и Алексея Ткачёвых, Гелия Коржева, Юрия Кугача, Валентина Сидорова; Никиты Федосова, Вячеслава Забелина и других известных художников, которые пользуются огромной популярностью. Зрителей и знатоков искусства прежде всего поражает, образность, энергетика, духовность этих произведений, художественное мастерство, с которым они исполнены.
Думается, что это только великий пролог к открытию и оцениванию отечественной школы живописи в мировом масштабе. Русский авангард получил мировое признание как экспериментальная школа, подарившая миру великих мастеров, открывших новую эстетику видения. Русская реалистическая школа живописи, сразу отвергнутая большевиками и завоевавшая своё право на существование, развивалась своим оригинальным путём, отличным от всех художественных течений ХХ века. Именно этот путь привёл художников русской реалистической школы ХХ к мировому признанию. Это отмечают сегодня ведущие искусствоведы мира.
Что же объединило художников советской эпохи? Были ли эти определенные связующие звенья или художники, в силу сложившихся обстоятельств, шли в своём развитии наощупь, интуитивно? На мой взгляд, среди объединяюших художников мотивов можно выделить следующие:
- для русских и советских художников эпохи ХХ века всё, что они делали, «никогда не было коммерческим проектом, это всегда было искусство» . Хорошее или плохое – об этом можно спорить, но это был творческий процесс – для истинных художников всегда более важен был сам процесс, а не продукт;
- сложившиеся условия вольно или невольно способствовали развитию реалистической школы живописи, и это неожиданно стало хорошей эстетической стратегией, может быть, поэтому «многие произведения Дейнеки, Пластова, Коржева, были созданы не благодаря, а вопреки сложившимся обстоятельствам» .
Бердяев Н.А. в своем труде «Смысл творчества» (Глава Х. Творчество и красота. Искусство и теургия), анализируя смысл творчества и рождение новых эстетических идеалов, обращает внимание на тягостность любых канонов в искусстве. Только неустанный поиск и отказ от канонов рождает великие произведения искусства. И не важно, какая идеологическая основа у канонов. Отказ от канонов средневековой христианской психологии привёл к началу Возрождения и появлению лучших образцов изобразительного искусства. Именно ранее Возрождение (кватроченто) Бердяев считает самым значительным, в этой связи напомним мифилогические, не христианские образы Сандро Боттичели.
Подобный подход приложим и к данной ситуации, когда художники, отказавшись от официальных канонов соцреализма, создали другие направления, где человек становится им интересным сам по себе, а не по приказу партии и правительства. Это был сознательный внутренний отход от когда-то предложенных и сковывающих пут официального искусства, которое не давало развиваться творческой индивидуальности художника.
Взгляните на картины Юрия Подляского «Портрет Маши Сюртуковой: жёлтые носки» (1953), Владимира Гаврилова «Свежий ветер» (1957), Андрея Макарова «Весна» (1957), Михаила Железнова «Девочка с зонтиком» (1958), Николая Ульянова «Украшение новогодней ёлки» (1963) и многих других: Н. Корниенко, Ф. Шапаева, А. Пластова, братьев Ткачёвых, Н.Б аскакова, Ю. Кугача и др.
Как прост и обаятелен женский образ на картине под названием «Портрет моей бабушки» (1957) Эдуарда Виржиковского! Американский искусствовед Вёрн Свонсон (Vern Swanson) так охарактеризовал это полотно: «This is Soviet Realism Art at its best».
Среди заокеанских искусствоведов сегодня бытует термин, обозначающий исполнительскую манеру советского периода – советский импрессионизм. Этот термин впервые был предложен Вёрном Свонсоном – директором музея Изящных Искусств в г. Спрингвиль (штат Юта), искусствоведом, обладателем одной из лучших коллекций произведений советского периода в США. К этой изобразительной манере, как считает Свонсон, пристрастились лучшие художники: Пётр Мальцев, Николай Ульянов, Юрий Кугач, Василий Кондратюк, братья Ткачёвы, Евгений Рябинский, Владимир Стожаров и многие другие.
Эта манера, в целом оформившаяся в 50–70-годы ХХ века, захватила художников особенно при изображении так называемых «трудовых будней» – на заводе или на колхозном поле. Художникам удалось найти свой способ изображения повседневных событий: они выбирают свои модели, исходя из собственных симпатий и эстетических представлений. И это не всегда совпадало с предложенным официальным иделом героя.
Социалистический импрессионизм отличает и сама техника наносить мазки-краски на холст – они накладываются густыми мазками, рельефно и крупно. Но при этом какая гармония! Изображение грубого труда перекликается с грубым, напористым мазком. В отличие от французских импрессионистов, где мазки могут быть мелкими и частыми (Клод Моне), например у художника А. Татаренко, когда он изображает рабочих на картине «Кузнецы – Одесский судоремонтный завод» (1962), мазки крупные, энергичные, размашистые.
Особая, завораживающая энергетика живописи советского периода приводит В. Свонсона к оригинальному суждению: русский импрессионизм советского периода и по манере изображения, и по тематике можно определить как направление импрессионизма мужского рода, а французский – женского.
Интерес к живописи советского периода в США проявляется не только в коммерческом оживлении в галереях и на выставках-продажах. Примечательный и другой факт – развивается широкий академический и исследовательский интерес к этому направлению. На базе музея Изящный Искусств в Спрингвилле (Юта) работает постоянный семинар любителей русского искусства, главная цель которого – просветительская работа. Ежегодно устраиваются выставки видных и малоизвестных, но талантливых художников советского периода. При поддержке грантов проводятся выездные семинары, симпозиумы, где тема русского искусства, и особенно достижения школы русского реализма, главная.
У Эрнста Неизвестного есть замечательная метафора: если мировое (космическое) значение произведений искусства (школ, направлений) определить вертикальной чертой, а актуальность – горизонтальной, то попадание на крест этого пересечения означает попадание в Вечность. Давайте посмотрим, смогут ли лучшие образцы искусства «социалистического» попасть туда, или они просто останутся иллюстрацией эпохи.
rusiskusstvo.ru/news/a2173/
